Caminando Por Abbey Road: El último legado de The Beatles.

1969 fue el último año en que The Beatles estuvieron activos. Fue un año terrible para sus miembros, quienes veían con resignación como se resquebrajaba la camaradería entre ellos. Las sesiones de grabación que inciaron junto con el año -y que conforman lo que sería el álbum y la película Let It be- fracasaron de manera estrepitosa. La falencia no estaba tanto en la música, sino en el hecho de que grupo parecía incapaz trabajar armónicamente, como en sus primeros años. Tremenda incongruencia representarían cuatro artistas que pregonando el amor, la hermandad y la paz, resulten incapaces de practicar tales valores por ellos mismos.

Por tanto el cuarteto, en el inminente final de su asociación, tendría que tomar un segundo aire que le permitiera dar un gran paso final. Ese último aliento se llama “Abbey Road”.

Durante “Let It Be” los músicos, con la excepcion de Paul McCartney, no mostraban demasiada preocupación por reuperar la convivencia: George Harrison se separó del grupo -para después reconsiderar su decisión- tras una fuerte discusión en el estudio; el año pasado Ringo Starr ya había sufrido una ausencia semejante, mientras John Lennon quién recién habia conocido a su futura esposa Yoko Ono, parecía más interesado en los proyectos entre ambos.

McCartney mantenía el entusiasmo pretendiendo apoderarse de la dirección del grupo. Esto molestaba sobremanera a los otros tres miembros, quienes terminaron por designar a un nuevo manager, que intentaría llenar los zapatos del fallecido Brian Epstein.

Otra fuente de conflicto fue el poco espacio que los prolíficos Lennon y McCartney dejaban al cada vez más talentoso Harrison, quien se sentía menospreciado al reunir una gran cantidad de material escrito que no fue editado, sino hasta que se convirtió en un artista en solitario.

Parecía que el grupo ya estaba terminado. Sin embargo, un chispazo de sensatez les haría ver que se trataba de un final indigno para quienes presumiblemente contaban con el potencial para ser considerados “el grupo más importante de la historia”. De modo que los cuatro junto con el prroductor George Martin, lograron un acuerdo para grabar un último álbum en el que se hiciera el mejor esfuerzo posible, con el fin de lograr una despedida más decorosa. Algo que lograron con creces.

El album final de The Beatles “Abbey Road” es un espectacular triunfo musical: Lennon conserva su brillo rockero experimental y su agudo sentido lírico. McCartney, en su brillantez habitual, desarrolla el concepto de suite, amalgamando varias temas musicales pequeños en una sola gran pieza. Por otro lado “Abbey Road” nos muestra al mejor Harrison de la historia y a un Ringo dedicado, trabajando a la par de estos tres grandes compositores.

El disco abre con la clásica de Lennon “Come Together”, un tema para apoyar la campaña del escritor Timothy Leary quien promovia el uso de la droga LSD con fines terapeúticos. (Este personaje fracasaría en sus tesis y su incursión política, pero se le recuerda como un irreverente psicólogo, personaje emblema de los años sesentas). Esta pieza era un rock lento modelo del olfato transgresor del “jefe” beatle. Otro tema similar de John fue “I Want You (She’s so heavy)” con aires de blues y bastante pesado para la época. El riff final es memorable y ha sido versionado por Motley Crue y otras bandas.

George presenta su mejor pieza en “Something” una balada sublime y bellamente arreglada que junto con “Yesterday” es candidata natural a “la mejor canción de todos los tiempos” por su universalidad y belleza. Otro gran acierto de Harrison es la acústica “Here Comes the Sun” que demuestra que este Beatle no estaba teniendo el espacio que merecía.

Ringo aporta una canción escrita por él mismo “Octopus’ Garden” que sin estar a la altura del resto de los números, resulta muy superior a su composición anterior “Don’t pass me by” del “álbum blanco”. Además aporta un sencillo pero célebre solo de bateria el la apoteósica pieza, apropiadamente titulada “The End”.

McCartney continúa presentando temas melódicos y repletos de generosidad artística. Sus mejores momentos son la desgarrada voz de “Oh! Darling”, la riqueza musical rockera de “You never give me your money” y sobretodo la memorable “Golden Slumbers” que forma parte de la suite final, considerada entre los mejores trabajos del cuarteto.

Esa suite estaba formada por tres segmentos, la ya mencionada “Golden…” seguida por “Carry That Weight” y culminando con “The End”. Aquí el grupo se muestra en esplendor, un cuarteto maltrecho reencontrándose con su destino irremediablemente triunfador, siendo además el gran cierre, o mejor dicho “el broche de oro” de su paso por la historia.

Por si fuera poco, otras innovaciones de “Abbey Road” son el uso temprano de un sintetizador, en las piezas “Because” (inspirada en un tema de Ludwig van Beethoven), “Maxwell Silver Hammer” (Curiosa pieza que habla de un asesino serial) y “Mean Mr. Mustard”. Tambien resulta el primer álbum de rock en presentar una breve pieza “extra” cuando se piensa que el disco ha terminado. Finalmente, su portada ha sido imitada y parodiada en inumerables ocasiones por gente que va desde los Red Hot Chili Peppers hasta los Simpsons.

Con este trabajo, el cuarteto de Liverpool se negó a morir en medio del desastre, para resurgir y culminar su carrera en su punto álgido. Estas fuerzas de flaqueza resultaron increíblemente poderosas y demostraron que el amargo final de los Beatles llegaría a causa de los problemas internos, más no por una decadencia artística. Nunca hubo tal.

Autocrítica: Cuando mi música favorita se vuelve estúpida.

(Antes de que lean el artículo me gustaría aclarar a los lectores que yo escucho y aprecio la música de algunos de los grupos y artistas a los que hago referencia en este artículo (como Judas Priest y Alice Cooper). Sin embargo me parece sano adoptar una actitud crítica y reconocer las tonterías que existen en torno a ellos).

El surgimiento de la música de Rock representó un fenomeno social y artístico sin precedentes. Sin embargo, desde sus primeros años, el establishment se dió cuenta de que esta propuesta también podía representar un gran negocio. De modo que el fenómeno Rock and Roll carga con la ambivalencia -si no contradicción- de ser punta de lanza de dos direcciones muy diferentes: Por un lado la protesta y la contracultura. Por el otro, la mercadotecnia y el negocio. El Rock es ambas cosas, nos guste o no.

Y es que esta gran paradoja se manifiesta con más fuerza en el Rock pesado y supuestamente contestatario. Mientras la propuesta sea más potente y extremosa, los conceptos de identificación con el público, tienden al absurdo y a la contradicción. Veamos algunos casos:

Autodestrucción: la sal de la vida:

¿Mi protesta o mi urgencia de comunicación se volverá más efectiva si hago daño o simulo hacerle daño a mi cuerpo y a mi estabilidad emocional? ¿O si clamo ser un suicida?

Se vió muy impactante cuando Syd Vicious (Del grupo Punk The sex Pistols) escribió en su pecho con una navaja la frase “Dame un toque”. Resulta que el personaje en cuestión murió apenas un par de años después por su adicción a las drogas, pero su imagen se sigue utilizando para vender playeras, discos, pins, accesorios, piercing, y muchos otras articulos.

He visto en muchos lados una playera con la imagen de Kurt Cobain y acompañada con la frase “Me odio a mi mismo y me quiero morir”. Es díficil evitar la tentación de sugerirle al portador las mil formas de cometer suicido que existen o en su defecto, que invente una nueva y se preste para probar que tanta efectividad tiene.

Temas líricos sensacionalistas:

¿Es Gay todo el rock que no hable de asesinatos, brujerías, guerra, pestes, sadomasoquismo, sexismo, y crimen? Quienes proclaman esta idea estarían asumiendo que los gays están exentos de cometer asesinatos, brujerias, participar en guerras, contraer SIDA, ser sadomasoquistas, discriminar a las mujeres y cometer crímenes… ¡Por cierto Rob Halford es Gay!

Pareciera que existe una gran inseguridad psicólogica en un sector de los rockeros. Un gran temor de que se les tache de “blandos” o “modositos”. Por esa razón, existe una gran oferta de grupos musicales cuyas líricas hablan de crímenes y atrocidades de manera explícita. Este concepto se refuerza con la presentacion del producto en portadas y playeras con imagenes grotescas que buscan la provocación y la indignación de todo aquel que caiga en el trampa. En fin, lo que un hombre “blando” o “sumiso” no podría tolerar.

Desafortunadamente, con este tipo de letras y actitudes se refuerza la idea de que la única manera de lograr respeto en la sociedad es por medio de la imposición del miedo. ¿Se les ocurre algo mas fascista?

Ateísmo mal entendido:

Lo unico que se me hace chido del cristianismo es cuando los penitentes se flagelan hasta sangrar, cargan troncos espinosos y se encadenan los pies. Si no fuera por eso me cambiaría de religion (…)

Me parece absurda la manera en que ciertos grupos de Rock, -principalmente metal- suponen combatir al cristianismo y las religiones, limitándose únicamente a la exaltación de su némesis: La maldad o el demonio.

Si estuvieramos de acuerdo en que el concepto de Dios es intangible y su existencia es incapaz de demostrarse cientificamente. ¿Porque vamos a promover otro concepto igualmente abstracto e impreciso que procede de la misma fuente teológica? La atención puesta en un ente demoniaco, solo resulta otro motivo más de impacto para generar la venta de sus productos por medio de la explotación del tabú y la psicología invertida ya que muchas veces buscamos lo que se nos prohibe o lo que se estigmatiza.

Resultaría mas congruente abordar el aspecto social y verosímil, asumiendo la crítica al comportamiento humano dentro de las religiones organizadas. En lugar de eso se sustituye un culto por otro mucho peor, fanático e insensato. Desafortunadamente estos grandes ideologos de la mercadotecnia, saben que la mayoría de los jóvenes nos conformamos solamente con contradecir ,en lugar de hacer una critica inteligente y propositiva.

Sexismo: El miedo del “mostro”.

En el Rock no existe el machismo: Hemos dejado que las mujeres canten, toquen instrumentos y sean líderes de sus grupos… Bueno, siempre y cuando no vengan con sus pendejadas de feminismo, equidad de género, sean lesbianas o insumisas, ni que se vistan como mi madre. Ah, y que de preferencia no hablen mucho, que no tengan ideas políticas, ni mayor coeficiente intelectual. Fuera de eso, no existe el machismo. Neta.

La otra gran inseguridad que se ve satisfecha gracias a la mercadotecnia del Rock, especialmente del metal, es el típico miedo masculino y cavernario de “no ser lo suficientemente hombre”. De modo que muchos productos rockeros recurren a la exaltación de lo masculino, los simbolos fálicos, la fuerza bruta y el poder.

Dentro de este marco de mercadotecnia, la peor desgracia sería la impotencia sexual y la sumisión a lo que consideran un ser inferior llamado mujer. Los casos más grotescos recurren al sexismo, con actitudes de desprecio y de agresión sexual, pretendiendo que es divertido.

Como ya se ha dicho hasta el cansancio -siendo el rock una manifestación más del machismo imperante en el planeta- en el fondo de todo esto se encuentra un enorme miedo, a la empoderación de la mujer y a la disfunción eréctil.

Luego porque se venden tanto esos miserables placebos que prometen “una noche de placer”.

La Muerte se pasa de viva.

¿Ya viste en internet el anuncio de “El test de la muerte” con la calaverita, la guadaña y la risita mamona? Pues es una campaña de publicidad de Telcel, cuyo dueño es ¡El hombre más rico del mundo!

¿Quieres un tema de mercadotecnia que venda mas que el sexo? Ahi tienes a la muerte. Tan socorrida por marcas de ron, automóviles de lujo y… grupos de Rock.

Prueba de lo poderoso que es el concepto mercadológico de la muerte, es que se suele idealizar y casi santificar, a los rockeros que ya fallecieron, especialmente si su deceso se dió en situaciones muy penosas como la drogadicción, el suicidio o el asesinato. Jim Morrison, John Lennon, Ian Curtis o Dimebag Darrell, son iconos con un poder de venta mucho mayor, ya que los lamentos, las añoranzas y especulaciones sobre su muerte, hacen crecer la leyenda. Esto dificulta la evaluación correcta de su obra, desplazando la crítica e inmunizando al héroe. ¡Perfecto para venderse!

En cambio se habla menos de los rockeros veteranos que han pasado toda una vida de trabajo, luchando por mantenerse vigentes y lográndolo. Lástima, todavía no se han muerto.

Las drogas como factor cosmético:

Se metieron a las drogas quesque para imitar a esos cantantes de rock que se ven “muy acá”, fumándose un porro. ¡chale!

Las historias de droga van de la mano con las de muchos músicos rockeros. Muchas veces por causa de una triste adicción que lastimosamente pudieron adquirir en su vida, y otras veces porque resultaría “buena publicidad” mostrar al rockero como un ser “transgresor” que se atreve a consumir droga, contradiciendo a la sociedad y a las buenas costumbres, muy a pesar del daño que pudiera provocarse.

El rockero que -se presume- consume droga, genera asombro en los más jóvenes por su atrevimiento y su inconsciencia (dos características de la juventud más temprana). Su supuesta relación con los estupefacientes pondrían al producto atribuciones que lo equiparan, desde un semi-divino poosedor de la juventud eterna, hasta una especie de mártir que no es feliz muy a pesar de su fama y dinero.

Considero que un adicto difícilmente será capaz de hacer su trabajo con brillantez. Un feroz consumidor de drogas no podría grabar diez discos clásicos, hacer giras triunfadoras cada tres años, componer más de un puñado de canciones memorables, o conservar una técnica instrumental envidiable durante toda su vida. Si tu ídolo rockero cumple con alguno de estos requisitos, es muy probable que no consuma estupefacientes.

Conclusión:

El rockero o el aficionado rockero puede llegar a sentirse todo un rebelde, un irreverente contestatario o un gran hereje. Pero si profundizamos en el verdadero mundo del rock, nos encontraremos con que muchas bandas generan productos de manera artificial, simplemente para satisfacer a ese sector del mercado: el que se quiere sentir, rebelde, contestatario y hereje.

A todos nos gustaría idealizar estas propuestas y pretender que se trata de un movimiento anarquista, que liberaría al joven o al menos lo confrontaría con los poderes establecidos. Desgraciadamente no es así. Estos conceptos son pura y vil mercadotecnia, que certera se basa en la explotación de nuestros instintos primitivos, nuestros temores, tabúes y carencias afectivas. Lo mismo que cualquier otra publicidad efectiva.

Mi consejo es apreciar la musica de Rock como una forma musical y no como un vehículo para adoptar una pose. Habría que desestimar a los grupos circenses, sensacionalistas y tremendistas que estuvieran más interesados en “apantallar” que en crear música.

Hermanos rockeros ¡Bienvenidos al sistema!

Fallece el gran músico michoacano Jorge Reyes.

El pasado sabado 7 de febrero, se difundió la triste noticia del fallecimiento de Jorge Reyes, uno de los músicos que con mayor acierto interpretó la música prehispánica. La causa del fallecimiento fue una falla cardiaca.

Esta pérdida representa un gran luto para la música mexicana, pues Reyes fue reconocido nacional e internacionalmente por su investigación histórica y musical, obteniendo distinciones y críticas favorables alrededor del mundo.

Quedan sus grabaciones como testimonio del genio musical de este hombre, quién por cierto, ofreció un concierto en nuestra pequeña ciudad el pasado mes de abril. Esa fue la última vez que los salvaterrenses pudimos verle.

Descanse en paz.

Vecinos Distantes: Pioneros del Rock es español celayense (Primera Parte)

Con desilusión me doy cuenta de que existe nula información en la red sobre “Vecinos Distantes”, siendo un quinteto fundamental en la historia rockera de la ciudad de Celaya. Así que decidí escribir este artículo. Mi aporte será simplemente escribir mis memorias como miembro en la etapa temprana del grupo, teniendo la esperanza de que alguno de los miembros posteriores o fans, puedan aumentar la información y corregir las posibles imprecisiones.

Los primeros años:

Vecinos Distantes se formó en el año de 1989 por estudiantes de preparatoria con edades entre los 16 y 17 años. Su base fue un conocido colegio de la ciudad de Celaya en el que se contaba con instrumentos musicales, por lo que resultó un factor muy útil en la creación del grupo.

El grupo inicial se llamaba “Equilibrio” y contaba con la presencia del entonces tecladista Abelardo (Abe) Siquieros que tenía un estupendo oído musical y tocaba varios instrumentos. El resto del grupo éramos meros principiantes pero salíamos adelante gracias a nuestro entusiasmo y al consejo de Abe.

El cantante era Manuel Crespo de quien recuerdo una extraordinaria anécdota:

El jovencito Manuel llegó a Equilibrio a sugerencia de Abe. Nunca había cantado en un escenario, pero tenía una enorme confianza en sí mismo. Ensayó tan solo en un par de ocasiones con el grupo y debutó ese mismo sábado en la el salón “Mesón Doña Josefa” de Salvatierra, Gto. Para sorpresa de todo el grupo. Manuel se echó al público a la bolsa demostrando carisma desde el mismo momento de su debut. Cuando la tocada estaba en su clímax, un par de jovencitas se dejaron venir frenéticas buscando a Manuel para besarlo, como si se tratara de un Luis Miguel o algo así.

Mientras equilibrio probaba suerte en fiestas estudiantiles y discoteques, apareció el miembro más importante del grupo: El guitarrista y compositor Alejandro (Alex) Valdez, quien nos propuso formar una nueva banda.

Alex era un poco mayor y tenía más tiempo soñando con la posibilidad de crear un grupo importante. Se trataba de un joven idealista y gracias a él, la banda tendría mayores ambiciones.
Sin embargo, no todos veíamos con buenos ojos que Equilibrio se desintegrara, pero una vez que conocimos a Alex y descubrimos que contaba con decenas de canciones escritas, quedamos convencidos, Abe, Manuel y yo aceptamos con entusiasmo adherirnos al nuevo proyecto.

“Vecinos Distantes” era el nombre (Tomado del libro de Alan Riding) que Alex tenía pensado para el grupo. Por supuesto, no existía ninguna intención política en adoptar ese nombre, sino que simplemente “sonaba bien”. Solíamos decir que el nombre significaba “El deseo de que nuestros vecinos estén lo suficientemente apartados para que no se quejen de nuestro ruido”.

El grupo necesitaba desesperadamente un baterista y en cambio llegó un nuevo tecladista procedente de los Angeles California. Manuel Magallanes apodado “Meño” era el más joven del grupo con sólo 15 años, pero también el de mayor estatura. Tenía dificultades para hablar correctamente el español (lo que no importaba, ya que en esa edad todos deformamos el lenguaje). Su afortunada llegada originó que Abe se convirtiera en bajista, posición en la que se sentiría más cómodo.

Finlmente llegó el baterista en la persona de Alejandro Olivares “Quetín” otro estudiante de la misma escuela, cuya presencia iba a resultar muy importante para el arranque del grupo. Gracias a él se lograría el acceso a la radio local.

Contrario a otros grupos, Vecinos Distantes arrancó combinando los covers con material original. El movimiento “Rock en Tu idioma” se encontraba en su apogeo y el grupo interpretaba piezas de Soda Stereo, Caifanes, Nacha Pop etc. pero al mismo tiempo interpretaba las canciones escritas por Alex. Desde las primeras audiciones lograron que esta fórmula funcionara siendo uno de los primeros grupos celayenses en crear música original.

El grupo ensayaba todos los días que fuera posible, en una casa ubicada al costado de la Sala De Arte “Juventino Rosas”. La familia Valdéz Garcia resultó ser el apoyo más grande que haya tenido el grupo. Su paciencia y comprensión fue en verdad invaluable (Algo que un joven de 17 años deseoso de tocar la guitarra no llega a comprender, sino con el paso del tiempo). Aunque sea de manera tardía, me gustaría agradecer a esa familia los gratos momentos que vivimos como miembros de Vecinos Distantes.

Una anécdota más:
Una tarde, en medio del ensayo, se presentó un chamaco muy amable de unos 14 años de Edad, quién a partir de entonces se convirtió en un asiduo visitante. Un día nos dijo que quería aprender a tocar la batería. Nosotros lo veíamos muy pequeño y no lo tomamos muy en serio. Con el tiempo ese muchacho llamado Gustavo Cardenas llegaría a ser no solo un baterista, sino el líder del grupo Sombras (Otra banda histórica del Rock Celayense) y posteriormente el famoso cantante y conductor Jan.

Los primeros pasos fueron tocar en todo lugar en que fuera posible: Escuelas, discoteques y fiestas particulares. El quinteto tenía un grupo de seguidores incondicionales que los seguían prácticamente a todos lados. Con esta experiencia llegaría la gran prueba: Aparecer en un festival masivo.

Gracias a Quetín se pudo incluir a Vecinos Distantes en un festival de conocida estación de radio. El grupo actúo en la concha acústica de la feria de Celaya ante cientos de personas. En un arranque de audacia, decidimos interpretar únicamente material original culminando con la canción que comenzaba a ser festejada por algún sector del público “No soporto el Neón”.

Mi recuerdo de ese festival es el siguiente:

Los organizadores nos concedieron un improvisado camerino que en realidad era un cuartucho descuidado y sucio. En lugar de que los nervios nos distrajeran, estabamos más bien preguntándonos en dónde estarían las chicas de Fandango, un grupo vocal que en ese entonces cantaba un disparate llamado “Autos, Moda y Rock And Roll”. Cuando Vecinos terminó su actuación regresamos al lugar y mientras Meño trataba de espiar nos alertó “Ahí vienen”. Entonces aparecieron en un pasillo las cinco chicas espigadas, de cabellos rizados y piernas torneadas. Para unos pobres jovenzuelos que apenas empiezan a abrir los ojos verlas pasar frente a nosotros entre personal de seguridad, fue suficiente para impresionarnos y satisfacer nuestro morbo (Risas).

El grupo solía reunirse después de cada tocada para discutir y sugerir mejoras. En una de esas reuniones Alex trajo una Ouija y jugando con las luces apagadas le preguntamos a la tabla si acaso el grupo tendría éxito. Enmedio de un movimiento inconsciente, o tal vez una alucinación producto de nuestra emoción y calentura, la aguja se movió y señaló el “sí”. Llegó el jubilo.

Desafortunadamente, el grupo sufriría su primera pérdida entrado el año 1990. Quetín que era un buen futbolista, empezó a perder interés en el grupo cambiando las baquetas por el balón. Entonces nos vimos obligados a pensar en otro baterista.

Alex y Abe querían llamar a Jose Leonel Guzmán (apodado por los amigos Pepenel) quién ya había tocado con varias de las bandas de Rock más importantes de la ciudad y además con uno de esos grupos llamados “versátiles”. Era ideal para Vecinos. No obstante, el chico dudó cuando le hicieron el ofrecimiento ya que el pertenecía a una generación más adelantada. Finalmente, tuvo fe en el grupo y decidió unirse para beneplácito de todos. No se equivocaría…

Con Pepenel vecinos tomaría un empuje definitivo. El grupo estaba listo para su siguiente paso: Grabar su primer demo. Alex contactó a un Productor (?) de la ciudad de méxico llamado Luis Salazar. El nos ofreció la oportunidad de trabajar por un único día en un estudio de la ciudad de Guanajuato Gto.

Nadie en el grupo tenía la menor idea de como se debe trabajar en un estudio de grabación y hasta la fecha no estoy seguro de si el mismo Salazar lo supiera, pero fue muy bueno para vendernos la idea. La grabación inició a la una de la tarde de un sabado y terminó a las once de la mañana del día siguiente. Las sesiones iniciaron mal porque no contábamos siquiera con lo indispensable como traer cables en buen estado. Al llegar la noche era claro que las cosas no funcionaban y se tuvo que volver a empezar. Manuel y yo trabajamos por separado agregando la primera guitarra y la voces cerca de las 9 de la mañana del día siguiente. Los miembros del grupo dormimos un par de horas de carretera en pleno sol. Nuestro “cómodo” lecho fue la caja de una camioneta pick-up junto a las bocinas y fierros. Fue un maratón que solo tenía sentido por conseguir a como dé lugar el demo. Sí, el tan esperado demo.

El Cassette debut de Vecinos Distantes contenía 10 canciones 7 de las cuales eran composiciones de Alex. Las tres restantes eran, una de Abe, una mía y una de todo el grupo. Destacan a mi parecer las rockeras “Dia del ritual” y “Colapso Total”, aunque las piezas que mas se identificaban con el público eran “Héroes de verdad”, uno de los primeros orgullos de Alex y la pegadiza “No soporto el neón”, el primer “single” de Vecinos.

“No soporto el neón” era básicamente un Dooh Woop estilo Motown con mucho sabor a los sesentas. No tenía una estructura básica de tres acordes sino que Alex se las arregló para crear una variación muy intereesante, sin compremeter el encanto de esta pieza comercial y hasta bailable en la que se perdían las pretenciones de un grupo de adolescentes rockeros que tratan de pasar por chicos malos.

“Día del ritual” compuesta por Abe era uno de los momentos más profesionales que produjo el grupo en sus inicios. La frase principal de bajo es muy ingeniosa y me sigue sonando muy bien después de todos estos años.
Las aportaciones en composición de los cinco miembros fueron destacadas, pero el sonido de Vecinos perteneció siempre a las canciones de Alex, por las que uno inmediatamente sentía identificación. Tal es el caso de “Reina del Hielo” pieza que sobreviría en el repertorio del grupo hasta ser grabada en el CD oficial de vecinos Distantes cuatro años después.

Desafortunadamente, la mezcla es terrible y los arreglos muy primitivos. La premura y la inexperiencia es palpable en cada pieza del demo. Sin embargo haber logrado esas diez canciones en una sola noche representaba un paso enorme para la banda. Todos intentamos distribuir el demo en formato de cassette. Alex lo hizo llegar a la radio en donde fue programado esporádicamente.

Vecinos podía jactarse de algo que muy pocos grupos celayenses habían logrado hasta 1990: Grabar un demo “profesional” de larga duración. Pero difícilmente la cinta trascendería más allá del círculo incondicional. Las copias permanecen en la colección de algunos amigos como una anécdota guardada en el cajón y el grupo comprendió que aún no era tiempo para prescindir los covers. De Modo que retomaron su paso por los bares y discoteques vigentes en aquellos años: “Michelson” “Brincos” “Memories” etc.

Los meses pasaban y llegó el momento en que la mayoría de los integrantes terminarían la educación preparatoria. Esto significaba una amenaza de fractura. Algunos de los miembros discutieron sobre la posibilidad de dejar los estudios por un año, “para ver que pasaba con el grupo”. Sin embargo para nuestros familiares esa posibilidad no era viable. La disyuntiva marco un momento de crisis.

Abe y Manuel se la jugarían por la música, Alex ya cursaba en una universidad local por lo que el problema se centraba en Pepenel y yo quienes casualmente entraríamos a la misma universidad de León, Gto. El primer acuerdo fue ensayar solo fines de semana cuando los cinco miembros estuvieran presentes. Cosa que causó frustración en un grupo acostumbrado a ensayar casi diariamente.

Dos meses después, Pepenel se convenció de que su futuro estaba en la música profesional y regresa a Celaya. Así me quedé como el único miembro que “detenía” el avance del grupo. No tenía ninguna intención de dejar el grupo pero al mismo tiempo nunca me imaginé fuera de la escuela. Hubo un momento en que la situación era frustrante para todos, asi que un sabado llegó la discusión final y mi dolorosa separación del grupo.

El resto de la historia la viví a distancia y seguramente con muchos huecos en la información. No obstante, continuaré escribiendo para terminar este homenaje a uno de los grupos más queridos en los que tuve la suerte de participar.

Guillermo Mantra

Vecinos Distantes: Pioneros del Rock En Español Celayense (Segunda Parte)

Nueva configuracion:

Alex seleccionó al nuevo guitarrista: Armando Ciurana (El Ruidos) quién hoy en día es un importante cineasta. El grupo volvió a tomar su vuelo. Se consiguieron tocadas en ciudades más importantes como Querétaro Qro. y León Gto.

La principal cualidad de Vecinos Distantes era (más que la imagen o la habilidad musical) la simpatía que generaban en el público. Esta provenía del hecho de que realmente creían en que podían llegar a hacer algo importante. Con cierta ingenuidad, pero también con los pies en la tierra, el grupo continuaba luchando por abrirse paso.

En algún momento de 1991 el grupo sufre su transformación definitiva: Manuel y Alex chocan entre sí. Ambos músicos tenían el potencial para liderar a la banda. El Primero por su Carisma y el segundo por su talento. La disputa artística rompió la cuerda entre ambos, de modo que el grupo perdería a dos de sus miembros originales: Manuel y Abe partieron a la ciudad de Guanajuato para estudiar música. Ambos formarían otra de las banda leyenda: Los brillantes La Falla. Pero como se dice, esa es otra historia.

Alex reconstruyó al grupo con la ayuda de su amigo Ignacio “Nacho” Lecumberri a quién acomodó como percusionista. Como se veía venir, el propio Alex toma definitivamente la voz principal. Sin embargo su liderazgo tendría que balancearse con la llegada de Javier “El Diablo” Ledezma, experimentado guitarrista y compositor que eventualmente tomaría el bajo. Al tiempo, la primera guitarra quedaría en manos de Antonio Valdez (Devon) un músico rockero muy avanzado, que lograría llenar el hueco dejado por Ciurana quién se había marchado al D.F. para estudiar cine y televisión.

Por su parte Pepenel continuaba eterno tras los tambores mientras que Meño se convertía en un tecladista muy completo que tenía en el hábil manejo del “Pitch” o “Trémolo” su mayor virtud. Mi percepción es que en esta nueva etapa el grupo perdería su antiguo toque de inocencia para entrar de lleno en el modo o de vida del Rock and Roll.

Escuché a Vecinos distantes por la radio en más de una ocasión. Me viene a la mente aquella memorable transmisión desde el estadio Miguel Aleman, en la que el grupo compartío el escenario con famosos cantantes de la Televisora privada.

En esas épocas surgió la inciativa de organizar el festival/concurso “La guitarra de Cristal” en la que se buscaba impulsar a los grupos de Rock celayenses que hacían musica original. A pesar de la durísima competencia con Rockcel, Flor De Caño y otros grandes grupos, Vecinos resultó triunfador. En este punto, la banda había cumplido con todo lo que había por hacer a nivel local.
Había que salir.

En las puertas del cielo:

Es posble que con la ayuda de Ciurana , el grupo tuviera la oportunidad de envolverse en círculos más o menos importantes de la música del Distrito Federal. Ese proceso se fue dando poco a poco y de manera muy sacrificada, culminando con la histórica participación de Vecinos Distantes en el afamado festival “Valores Juveniles” patrocinado por una famosa marca de Ron.

Fue un sabado de 1993, lo viví con gran asombro. Por suerte, en mi casa tenían la televisión encendida. De repente me avisaron: ¡Los Vecinos Distantes están en el canal 2! Yo no esperaba esta gran sorpresa… Ahí estaban Alex al frente, Pepenel tocando con maestría los tambores, el enorme Meño disfrutando el momento como nadie… Aparecer en televisión en aquellas épocas de dominio de “Raul Del Asco” (Como se le conocía entre los rockeros) era un enorme paso para cualquier grupo de Rock, con mayor razón para un grupo celayense. ¡Se estaba escribiendo la historia!

El disco oficial:

Un año después en 1994 caminaba por una conocida tienda de discos de León, Gto y ahí estaba… No lo podía creer. ¡El disco oficial de Vecinos Distantes, distribuido nacionalmente por discos Musart!

El disco se titulaba simplemente “Vecinos Distantes” y era producido por Tiki Hagen para la división rockera de Musart llamada “Producciones de pelos”. A sus 21 años Meño se había convertido en el director musical y el grupo ya tenía su propio Manager llamado Alberto Abiel. El disco contenía 11 piezas; cinco de Alex, cinco de El Diablo y una atribuída a todo el grupo.

La primera parte estaba dominada por las canciones de Alex como la vieja conocida “Reina Del Hielo” que suena revitalizada gracias a los nuevo arreglos. A mi gusto destaca otra pieza añeja titulada “Luna Roja”, una de las mejores del disco y de toda la historia del grupo. Es memorable uno de sus versos:

“Si alguien me pregunta qué es la realidad
Diré que es camino apagado
Si alguien me pregunta que es la soledad
Diré lo que me has enseñado”

También aparece la pieza con la que participaron en el festival Valores Juveniles “El amor (Es mejor de noche)” que lógicamente es una pieza más accesible.

La segunda parte comprende en su mayoría las piezas de El diablo que tienen un estilo opuesto al de Alex, más rockero y moderno; menos fresco y menos ochentero. Por ejemplo, “Te sigo amando” que hubiera sido la mejor pieza del disco de no haber tratado de imitar el final de “Jeremy” De Pearl Jam. La célebre canción del titulo kilométrico “Cancion para una niña triste en una noche tibia de verano”, es una balada más de trova que de Rock, pero no deja de ser excelente.

El disco cierra con una pieza más de Alex llamada “Teorías” la que considero lo mejor del disco. Cuando escucho esa pieza final me invade implacablemente la nostalgia, ya que suena inconfundiblemente a Vecinos Distantes. En honor a la verdad, la letra es sensacional:

“Atado a este lugar
sentir palpar esta tierra
cansado de tirirtar
meditar frente a la hoguera

vivir andar en un tren
colgar un sueño en un riel
hacia la luz…

Crear teorías en papel
silbar algunos poemas
hablar de nada a las seis
trasnochar en una estrella

buscar respuesta en café
mascar la brisa del mar
en una tempestad…”

El “single” del disco es “Por esa bola de…” sin duda la pieza mas coreada por el público del grupo en toda su historia. Aún así, no es de lo mejor del disco; se trata de un número comercial con sonido ochentero y con una palabra “altisonante” en su pegajoso estribillo. Este último detalle hacia que la canción fuera terriblemente popular en los conciertos, pero constituía un obstaculo para llegar a los medios: Estoy convencido de pudo haber sido un gran golpe comercial en la radio local de no ser por la censura de “la palabrita”.

La mezcla y sonido del disco era excelentes, una producción de gran nivel. Tanto Meño como El diablo y Alex están al máximo de sus posibilidades.

El Ocaso:

Musart distribuyó el disco a nivel nacional con ciertas deficiencias. En ese momento “Producciones de Pelos” estaba grabando a otros artistas muy interesantes, como la legendaria agrupación de Blues Real De Catorce, pero desafortunadamente no hubo continuidad. Por su parte la Televisora infame no volvería a abrir sus puertas a estos intrusos celayenses.

Aquí es donde faltan respuestas. ¿Después de que el grupo llego a la T.V. y grabó su disco, llegó a su tope? ¿Las puertas se cerraron, así como en un principio parecían abrirse? ¿Fueron los problemas internos? Pareciera que el super estrellato está reservado solo para cierto tipo de personas influyentes y no para seis jovenes celayenses de clase media que ya habían tenido suficiente con sus “15 minutos de fama”.

La última vez que vi actuar a Vecinos Distantes fue en 1996 en un gran concierto que se llevó a cabo en el recién construido Auditorio Tres Guerras de Celaya. Entonces el grupo ya había incluído en sus filas a la cantante Ameyali. Yo no sospechaba siquiera que fuera la última vez. Noté a un grupo, diferente con una nueva dirección, pero brillante musicalmente como de costumbre.

El final llegó y necesariamente tenía que ser triste, puesto que no es lo mismo desintegrar un grupo que no hubiera logrado nada, a terminar con Vecinos Distantes una banda que además de haber sido pionera, obtuvo triunfos muy significativos.

Quedarán para el recuerdo sus interminables presentaciones en los bares, los festivales masivos, sus presentaciones en Televisión nacional, sus demos y el estupendo disco oficial. Pura historia del Rock Celayense.

Guillermo Mantra

Alex: Grabó un disco como solista llamado “Ventanas” para luego retirarse de la música.
Abe: Fue miembro fundador de “La Falla”, estudio música y también una licenciatura, la cual ejerce hoy en día.
Manuel: Se convirtió en un músico de tiempo completo, primero con “La Falla” y despues con innumerables grupos, no necesariamente de Rock. Estudió percusiones.
Meño: Continuó como músico profesional y actualmente es productor de nuevas bandas.
Pepenel: Siempre ha sido un músico completo, trabajando en otros estilos de música.
“El Ruidos” (Armando Ciurana): Actualmente es un cineasta muy respetado, famoso por su cortometraje “Zapatitos” y por haber contraído matrimonio con la actriz Consuelo Duval.
Quetín: Es un destacado ingeniero de la ciudad de Celaya.
Nacho: Fungió como percusionista en los años más exitosos de la banda.
El Diablo: Participó con otros grupos de Rock.
Devon: Se translado a la ciudad de Hermosillo Sonora donde grabó material en solitario.

“No sean culeros tóquen la de Hotel California”

Muchas personas de las que asisten a los bares para escuchar Rock no conocen absolutamente nada de esa música. Prueba de ello es que nunca falta un pendejo que para lucirse y (Según él) quedar bien, grita:

“Tóquen la de Hotel California”.

Ese cabeza hueca bien podría pedir “Stairway To heaven” pero resulta que no la conoce, o podría clamar por “Bohemian Rhapsody” pero en medio de su gran borrachera no logrará recordar el título correcto. Por lo que no le queda otra que gritar como energúmeno y pedir por cuarta vez:

“No sean culeros, tóquen la de Hotel California”.

El músico de bar conoce perfectamente esta escena. Resulta un indicativo infalible de la idiotez -o en su defecto del grado de intoxicación- del gritón. Sin embargo dada su condición de respetuoso profesional, se aguanta las ganas de contestarle en la cara “¿Acaso conoces otra, pendejo? y procede a complacer la arrebatada petición, sabiendo de antemano que perderá 7 valiosos minutos de su concierto.

Para poder interpretar correctamente la hiper-famosa pieza se necesitan tres guitarras: Una acústica de ritmo y dos eléctricas solistas -con instrumentistas de primera línea- que logren tocar armonías al unísono. Es muy difícil que un grupo de este nivel cuente con semejantes atributos. De modo que la pieza sonará con muchos huecos. A pesar de todo, el músico sabe que tarde o temprano la tendrá que tocar.

Para colmo, mientras suenan los primeros acordes de la larga intro, “el barbaján” que solicitó la pieza se desentiende de la música en lugar de escucharla: Se distrae platicando con otro borracho, se levanta para ir al baño o de plano se acuerda dentro de su imbécilidad: “Bueno, Pa’ que la pedí si la neta ni me gusta “. Cuando la pieza termina “el barbaján” resulta ser el último en darse cuenta y aplaudir.

“Hotel California” es sin duda una pieza emblamática no solo para el grupo que la creó – los sublimes The Eagles- sino para el Rock en general, pero es la canción de que más lastimosamente pierde su esencia cuando se interpreta por grupos de bares.
Definitivamente estoy considerando cargar con un letrero que diga “Tocamos lo que sea, menos Hotel california”.

El Rock de los años sesenta, Jimi Hendrix, Janis Joplin y Woodstock. (Auto-entrevista, segunda parte)

¿Porqué escogiste el nombre de “Mantra”?

Una mañana desperté y pensé que podía ser un buen nombre. Me agrada el concepto de que una palabra o una frase pueda recitarse o cantarse repetidamente para lograr un objetivo.

Esto es un concepto budista ¿No?

De ahí proviene, aunque es una práctica adoptada por muchas tradiciones paganas y religiosas en el mundo. A pesar de su carácter espiritual la gente de Occcidente los utiliza simplemente como un recurso terapéutico.

Entonces “Mantra” no suena muy rockero…

No creas, el “Nirvana” es un concepto relacionado y ya lo utilizó un grupo de Rock. Los mantras se han cantado o recitado en muchas piezas de rock. Por ejemplo The Moody Blues tiene una pieza llamada “Om” en el célebre disco “La busqueda del acorde perdido” y muchas melodías vocales de grupos como Yes se basaron en los mantras hindús. Hubo artistas como Dead Can Dance que profundizaron muchísimo en esos conceptos musicales. Aunque en el caso de estos últimos, sería muy impreciso considerarlos como “Rock”.

En los años sesentas muchos rockeros se interesaron en estas prácticas orientales…

…por ejemplo los Beatles (que serían defraudados por haber escogido un mal maestro) y también los grupos que se encontraban alrededor del movimiento de la música “psicodélica”. La meditación se popularizó en la cultura norteamericana como una respuesta a la insatisfacción espiritual de los jóvenes dentro de la sociedad consumista. La influencia oriental vendría a ofrecer una alternativa de calma y “expansión mental”. El problema es que muchos confundieron esta búsqueda con el consumo de drogas, principalmente el ácido. Finalmente no encontraron nada excepto la adicción a las drogas.

Las puertas de la percepción…

Morrison es el símbolo de esta búsqueda errada. Fue sin duda un extraordinario compositor y un poeta destacado (Prueba de ello es que los tres miembros restantes de The Doors no pudieron con el peso de continuar sin él) pero su mentalidad destructiva lo llevó a la muerte prematura y al desperdicio de su talento. ¿Cuantos años más podríamos haber disfrutado de las piezas de Jim y Las Puertas? en lugar de eso tenemos su rostro en las playeras como máximo símbolo de la irreverencia rockera. Un mártir beatificado.

¿Morrison, Janis y Hendrix fallaron al no encontrar la paz en la música?

Janis murió por una sobredosis accidental o por la mala calidad de la droga que le hicieron llegar. Ella acarreaba problemas muy grandes que nada tenían que ver con la música: De pequeña se burlaban de ella, en la escuela la humillaron y además se consideraba fea y gorda. La música le ofreció un lugar en el que ella podía expresarse y ser admirada. Nadie cantó ni cantará como ella. Escucha “Summetime” o “Kosmic Blues” y comprenderás que se trata de un fenómeno irrepetible. La música era el camino a su redención pero su dependencia a las drogas acabó con su ascenso.

Por otro lado, Hendrix era un perfeccionista obsesivo cuya brillantez desbordada nunca era suficiente. Nunca pudo completar su cuarto disco “First Rays Of The New Rising Sun” porque pasó dos años tratando de mejorar las interpretaciones y los arreglos. A pesar de lo virtuoso y revolucionario que era su música, no estaba satisfecho. Esta auto-exigencia le significaba una gran presión. La inconsciencia de una noche de frustracion le llevó a abusar de los medicamentos y el alcohol, muriendo así el hombre que cambió para siempre la forma de tocar la guitarra.

El Rock de los años sesentas es una zona de contrastes. Por un lado con la grandiosidad de la música que se interpretaba y por el otro pleno de tragedias. ¿Cuál es el legado de la música de lo sesentas?

El legado es el sentimiento de libertad y hermandad así como la protesta contra la guerra y la segregacón racial. El lema de Paz y Amor es una bandera que continúan vigente.

Mira, la música es una forma de arte, por tanto es una disciplina espiritual elevada que canaliza los sentimientos de agresión y frustración. Entonces, no se puede ser verdadero artista y al mismo tiempo promover guerras. El hombre que realmente decide tomar un instrumento y arrancarle apasionadamente las notas musicales estaría renunciando al deseo mezquino de agredir al prójimo. Ese es el verdadero legado del rock de los sesentas. Pero como dices, se trata de una zona de terribles contrastes ya que la “década dorada del Rock” terminó con el asesinato de varios aficionados en el festival de Altamont, mientras actúaban los Rolling Stones.

Entonces el objetivo. No se logró.

El objetivo total no prevaleció porque el hombre es imperfecto. Muchos son incapaces de desterrar el Caín que llevamos dentro. A pesar de ello, el mensaje sigue siendo urgente. El pacifismo es un movimiento que resurge con fuerza. De Vietnam a Iraq los tiempos no han cambiado mucho y lo que necesita el mundo sigue siendo lo mismo que clamaban los rockeros idealistas de los sesentas: Tolerancia, amor y paz.

¿Que opinas sobre Woodstock? ¿Fue un encuentro de paz y amor o un desenfreno sónico y orgiástico?

Ninguna de las dos cosas. Ese festival fue un monstruo que creció y creció hasta que ya nadie pudo controlarlo. El público que asistió superó los mejores augurios de los inexpertos organizadores viéndose rebasada la capacidad de alimentación, auxilio y aparcamiento que el festival podía ofrecer. Varios grupos se quedaron sin tocar por la falta de vías de acceso descongestionadas. Una debutante llamada Melanie, casi entra en pánico al ver el tamaño de la audiencia. Para Colmo, la lluvia desquició el festival convirtiéndolo en una gran zona pantanosa.

Algunos actos tuvieron una tarde memorable como Santana, The Who, Ten Years After y Country Joe McDonald. Otros tuvieron que enfrentar problemas como The Grateful Dead (Cuyos músicos se estaban electrocutando debido al escenario encharcado) o Janis Joplin (Quién le dirige al publico una célebre recomendación -casi un regaño- que puede escucharse en la versión remasterizada del álbum “Kosmic Blues”). Graham Nash volvió a nacer al evitarse la caída del helicóptero que lo transladaba a la zona del concierto y Pete Townshend golpeó y expulsó del escenario a un agitador político que pretendía adueñarse del show…. La resaca del lunes fue más bondadosa gracias a la presencia de un madrugador Hendrix cuya presentación estaba programada para muchas horas antes.

A pesar de todo, Woodstock nunca llegó a ser la situación caótica que los enemigos del Rock quisieron pintar. Los datos duros dicen que hubo una persona fallecida (arrollada accidentalmente por un tractor mientras dormía en el campo) y los principales percances no tuvieron que ver -al menos directamente- con violencia y drogas: Mucha gente que caminaba descalza sufrió cortaduras y varios inconscientes sufrieron quemaduras de retina debido a que fumaban marihuana y se quedaban acostados con los ojos abiertos frente al sol. Fuera de estos inconvenientes, no hubo nada más que la prensa amarillista pudiera festejar.

Hablabas de los enemigos del Rock… Esos más bien se encontraban en México ¿No?

¿Te refieres a Avandaro? ¡Claro!
Comparado con Woodstock y la Isla de Wight, Avándaro fue un convento de Monjas. Los únicos “excesos” que se presentaron fueron los llamados “churritos” y una célebre chica que sucumbió ante el éxtasis de la música descubriéndose el torso y quitándose los pantalones.

Guillermo Castro es un músico de la ciudad de Salvatierra; Gto. México. Participa en los grupos Mantra y Blues Overdrive.

Auto-entrevista con Mantra (Guillermo Castro). Habla sobre el movimiento Rock en Salvatierra Gto. y otros temas (Primera Parte).

¿Hay un movimiento Rockero en Salvatierra?

Es minoritario pero existe. Creo que al fin podremos trascender a la crisis de espacios y propuestas que por muchos años sufrimos. No es la situación ideal, pero tenemos mejores perspectivas. Por ejemplo, existe ya un reconocimiento al movimiento gótico que ya cuenta con espacios para sus conciertos bastante concurridos sin que se les castigue con el veto de antaño.

Sin hacer mucho ruido, existen músicos que están formando sus bandas y hasta escriben su propia música. Están los luchadores de siempre y tambíen los jóvenes prometedores; los que se fueron y los que hemos regresado. Todos somos gente común y corriente con virtudes y tambien con defectos, pero lo sano es que nos apoyemos los unos a otros para ser fuertes como movimiento. Si logramos armonizar el movimiento rockero en una competencia sana y leal, el Rock salvaterrense avanzará y obtendrá los espacios que necesita. Depende de nosotros el crecer ya que sólo juntos vamos a lograr el reconocimiento.

¿No Existe un circuito de Bares, Antros y Foros en donde se pueda escuchar Rock?

He notado que en los pocos bares de Salvatierra, sí existen posibilidades para ser contratados. La mesa es pequña aún pero ya está puesta, sólo falta que se nos remunere adecuadamente.

Siempre recomiendo a las bandas (sobretodo a las más jóvenes) que no se ofrezcan a tocar a cambio de tres tragos. Eso nos perjudica a todos y habla de la falta de aprecio que se le tiene a su propio trabajo. hay que recordar que todo trabajo vale y debe ser bien remunerado. Empecemos por valorarlo nosotros mismos, ensayando, sonorizando, tocando lo mejor posible… y tambien cobrando lo justo.

Durante el pasado festival llamado “La Marquesada” la ciudad estuvo repleta de Bares y la mayoría de ellos contrataron a un grupo de Rock, lo cual es algo verdaderamente inédito en esta ciudad. Desde esa fecha existe una mayor necesidad de música en vivo que debemos aprovechar los Rockeros de Salvatierra. Depende de nosotros tomar esta oportunidad y hacer por un par de dias que el Rock vuelva a ser una realidad en esta ciudad. Lo deseable sería que en la proxima “Marquesada” podamos ver más bandas locales en lugar de bandas de fuera.

Otra opción son los foros culturales que si bien no generan gran recuperación económica, si brindan la oportunidad de interpretar un material musical más ambicioso, diferente a lo que pide la gente del bar. Desafortunadamente estos foros son más reducidos y esporádicos.

¿Es correcto creer que estos espacios se abrieron gracias las bandas de Celaya Gto. y otras localidades?

No tanto. En Salvatierra existían hace muchos años una tradición de Rock con dos bandas muy fuertes que todavía son las mejores que han existido en esta ciudad: Los Sheiks y La Crema. Ellos iniciaron el Rock en Salvatierrra.

Las bandas de Celaya, Morelia y León que llegaron a tocar desde principios de los noventas, tan sólo renovaron el hambre de Rock que ya existía y que en parte se debía a la desaparición de estas dos bandas clásicas.

También es justo decir que hubo bandas posteriores sucesoras muy dignas de estas leyendas, por ejemplo los metaleros de El Cráneo, que contaban con miembros de reconocida valía como el guitarrista y tecladista Omar Jacobo y el cantante Patricio Medina (El Wandeco).

Tú eras miembro de Vecinos Distantes, una de esas bandas Celayenses que llegaron…

Cierto. Cuando Vecinos llegó a tocar por primera vez tuvo la fortuna de encontrarse a un público entusiasta y receptivo que realmente deseaba Rock. El buen momento alcanzó para que el grupo regresara en varias ocasiones y ser recordado con gusto. Creo que la misma buena experiencia le pasó a Polo Carranza que fue miembro de otro grupo Celayense, Rockcel y le está pasando actualmente a los hermanos Jacobo miembros de Doomsday de Guadalajara.

¿Una fuga de Talentos?

Puede ser. Recordemos que formar un grupo en Salvatierra es un buen reto, puesto que somos una ciudad pequeña y sin el suficiente movimiento económico. Necesitamos más músicos que toquen bien y que estén dispuestos a trabajar duro para conseguir mejores equipos de audio. Cumplir con esos requisitos no es fácil. Muchos de nosotros -por estudios o por ampliar horizontes- hemos salido a participar en bandas foráneas. Lo mejor sería persistir y formar bandas en Salvatierra sin dejar que la frustración nos invada. Se dice fácil…

Ese tipo de grupos (Vecinos Distantes, Rockcel) tocaban música “Rock en tu Idioma” muy distinta al verdadero Rock clásico que interpretaban Los Sheiks y la Crema…

Eso es verdad. Eran piezas de grupos argentinos, españoles y mexicanos de Rock Pop, muchas de las cuales se siguen escuchando en los bares. No era un Rock verdaderamente osado y audaz, pero hay que recordar que en este país, fue en parte, gracias a ese movimiento de Rock suave que nuestra música logró a salir de la clandestinidad a la que fue destinado despues del Festival de Avándaro.

La represión gubernamental y de los medios fue capaz de confinar a nuestra música a los “hoyos funkies” y solamente regresó a los teatros y a los auditorios cuando se popularizaron grupos como Soda Stereo, Duncan Dhú, La Unión, Caifanes, etc. Cuando estos grupos se popularizaron, precipitaron que bandas mexicanas más “duras” como Luzbel y La Cruz de Tijuana, también lograran un mayor reconocimiento.

Algo parecido sucedió a nivel local. Se necesitaba que vinieran Vecinos Distantes, Rockcel, etc. para que el Rock podía regresar a los antros y a las discoteques, frente a las mal llamadas “niñas bien” (Risas).

Razón de más para recordar a los Sheiks y La Crema, ellos tocaban piezas de Deep Purple, Led Zeppelin y Grand Funk en las épocas de la represión…

Por eso es que es tan difícil superarlos. El escenario adverso que enfrentamos ahora no se compara en nada a lo que tuvieron que sortear aquellos rockeros. El Rock estaba estigmatizado y prohibido. En lo que a mi respecta, nadie me ha acusado de ser drogadicto por el simple hecho de cantar Rock y nadie me ha lanzado agua bendita para “sacarme al demonio”. Parece que esas cosas eran muy comunes en aquellos tiempos (Risas).

Tú formas parte de Blues Overdrive pero la música de Mantra no es Blues…

Asi es, mi música es el Rock y no quiero intervenir en las disputas relacionadas con ese estilo de música. Lo de Blues Overdrive ha sido una sorpresa para mí. Fue otra persona (Vicente) quién lo planeó y lo impulsó, pero me da gusto el que me hayan invitado y poder interpretar ese estilo de música.

Pero en Blues Overdrive tú tocas la batería. ¿Has cambiado la guitarra y el canto por los tambores?

No. Toco los tambores porque cuando me invitaron al grupo, ya contaban con dos guitarristas de respeto: Rod Ruthrauff y Carlos Gómez. En realidad estoy tocando Batería por la escasez de músicos que desafortunadamente existe en esta ciudad. Sin embargo, es una experiencia interesante que me servirá mucho para mi proyecto en solitario Mantra, en el que tendré que interpretar todos los instrumentos.

¿Existe un auge por el Blues en la localidad?

Me gustaría que así fuera.
Quisiera pensar que se trata de un genuino deseo de interpretar el Blues y no un impulso cómodo por considerarlo equivocadamente “música fácil de tocar”. Algo así como “toquemos blues porque con tres acordes ya la haces”. Esa sería una manera de errar el camino.
También me gustaría que ese impulso no surgiera de una mal entendida competencia entre bandas. Todo músico puede tocar el estilo que le plazca y mucho mejor si lo lleva en el corazón..

Además, somos muy pocas bandas en esta pequeña ciudad como para hablar de un auge del Rock, mucho menos del Blues. ¡Necesitamos más bandas!

Continuará…

“El Tri” se presentó en la feria de Salvatierra.

Me parecio muy interesante que el artículo original que apareció en este blog sobre la presentación de El Tri en Salvatierra Gto. fuera comentado por Karla Hauptvogel, hija del legendario baterista Charlie Hauptvogel, poosedor de los derechos del nombre de Three Souls In my Mind. Ella se refería al siguiente párrafo referente a la historia del grupo:

“A partir del año 1984, el bajista de nombre Alejandro Lora perdió la batalla legal por el nombre del grupo a manos del baterista de apellido extranjero Charlie Hauptvogel. Sin embargo, Lora decidió continuar con el engañoso nombre de “El Tri” para simular que se trataba de la misma banda y seguir con el legado de un nombre que legalmente no le correspondía.”

EL comentario dice así:

Hola Mi nombre es Karla hauptvogel hija de Charlie Hauptvogel baterista y fundador de Three Souls in my mind, a la persona que hizo el articulo lo quiero felicitar , caray lo que es saber e investigar. me he topado con tanta porqueria y tanta falsedad que de verdad la gente habla solo por hablar. Es una lastima como se hace de esto una leyenda urbana y este hombre Lora sigue comiendo de una falacia … en fin

Solo quiero decirles que efectivamente mi padre es un ser honesto y admirable que sigue amando el rock y el blues y es un excelente baterista. Eso nunca se lo van a quitar Para poder hablar hay que saber la verdad, si no de verdad los invito a callar

Un beso a todos aquellos que siguen apoyando a mi padre y un saludo a todos aquellos que no saben ni que onda

attm
Karla Hauptvogel

Mi conclusión es que este señor Lora puede hacer, deshacer y tener todo el éxito de mundo con su banda. Pero es conveniente aclarar que la agrupación denominada “El Tri” nació en 1985 con el album “Simplemente” y no a finales de los años sesenta como él sugiere. Por tanto “El tri” tiene 22 años de xistencia y no los cuarenta que equivocadamente nos quiere hacer creer. Three Souls in my mind fue la banda de Charlie y nada tiene que ver con lo que Lora hizo después.