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Caminando Por Abbey Road: El último legado de The Beatles.

junio 6, 2009

1969 fue el último año en que The Beatles estuvieron activos. Fue un año terrible para sus miembros, quienes veían con resignación como se resquebrajaba la camaradería entre ellos. Las sesiones de grabación que inciaron junto con el año -y que conforman lo que sería el álbum y la película Let It be- fracasaron de manera estrepitosa. La falencia no estaba tanto en la música, sino en el hecho de que grupo parecía incapaz trabajar armónicamente, como en sus primeros años. Tremenda incongruencia representarían cuatro artistas que pregonando el amor, la hermandad y la paz, resulten incapaces de practicar tales valores por ellos mismos.

Por tanto el cuarteto, en el inminente final de su asociación, tendría que tomar un segundo aire que le permitiera dar un gran paso final. Ese último aliento se llama “Abbey Road”.

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Durante “Let It Be” los músicos, con la excepcion de Paul McCartney, no mostraban demasiada preocupación por reuperar la convivencia: George Harrison se separó del grupo -para después reconsiderar su decisión- tras una fuerte discusión en el estudio; el año pasado Ringo Starr ya había sufrido una ausencia semejante, mientras John Lennon quién recién habia conocido a su futura esposa Yoko Ono, parecía más interesado en los proyectos entre ambos.

McCartney mantenía el entusiasmo pretendiendo apoderarse de la dirección del grupo. Esto molestaba sobremanera a los otros tres miembros, quienes terminaron por designar a un nuevo manager, que intentaría llenar los zapatos del fallecido Brian Epstein.

Otra fuente de conflicto fue el poco espacio que los prolíficos Lennon y McCartney dejaban al cada vez más talentoso Harrison, quien se sentía menospreciado al reunir una gran cantidad de material escrito que no fue editado, sino hasta que se convirtió en un artista en solitario.

Parecía que el grupo ya estaba terminado. Sin embargo, un chispazo de sensatez les haría ver que se trataba de un final indigno para quienes presumiblemente contaban con el potencial para ser considerados “el grupo más importante de la historia”. De modo que los cuatro junto con el prroductor George Martin, lograron un acuerdo para grabar un último álbum en el que se hiciera el mejor esfuerzo posible, con el fin de lograr una despedida más decorosa. Algo que lograron con creces.

El album final de The Beatles “Abbey Road” es un espectacular triunfo musical: Lennon conserva su brillo rockero experimental y su agudo sentido lírico. McCartney, en su brillantez habitual, desarrolla el concepto de suite, amalgamando varias temas musicales pequeños en una sola gran pieza. Por otro lado “Abbey Road” nos muestra al mejor Harrison de la historia y a un Ringo dedicado, trabajando a la par de estos tres grandes compositores.

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El disco abre con la clásica de Lennon “Come Together”, un tema para apoyar la campaña del escritor Timothy Leary quien promovia el uso de la droga LSD con fines terapeúticos. (Este personaje fracasaría en sus tesis y su incursión política, pero se le recuerda como un irreverente psicólogo, personaje emblema de los años sesentas). Esta pieza era un rock lento modelo del olfato transgresor del “jefe” beatle. Otro tema similar de John fue “I Want You (She’s so heavy)” con aires de blues y bastante pesado para la época. El riff final es memorable y ha sido versionado por Motley Crue y otras bandas.

George presenta su mejor pieza en “Something” una balada sublime y bellamente arreglada que junto con “Yesterday” es candidata natural a “la mejor canción de todos los tiempos” por su universalidad y belleza. Otro gran acierto de Harrison es la acústica “Here Comes the Sun” que demuestra que este Beatle no estaba teniendo el espacio que merecía.

Ringo aporta una canción escrita por él mismo “Octopus’ Garden” que sin estar a la altura del resto de los números, resulta muy superior a su composición anterior “Don’t pass me by” del “álbum blanco”. Además aporta un sencillo pero célebre solo de bateria el la apoteósica pieza, apropiadamente titulada “The End”.

McCartney continúa presentando temas melódicos y repletos de generosidad artística. Sus mejores momentos son la desgarrada voz de “Oh! Darling”, la riqueza musical rockera de “You never give me your money” y sobretodo la memorable “Golden Slumbers” que forma parte de la suite final, considerada entre los mejores trabajos del cuarteto.

Esa suite estaba formada por tres segmentos, la ya mencionada “Golden…” seguida por “Carry That Weight” y culminando con “The End”. Aquí el grupo se muestra en esplendor, un cuarteto maltrecho reencontrándose con su destino irremediablemente triunfador, siendo además el gran cierre, o mejor dicho “el broche de oro” de su paso por la historia.

Por si fuera poco, otras innovaciones de “Abbey Road” son el uso temprano de un sintetizador, en las piezas “Because” (inspirada en un tema de Ludwig van Beethoven), “Maxwell Silver Hammer” (Curiosa pieza que habla de un asesino serial) y “Mean Mr. Mustard”. Tambien resulta el primer álbum de rock en presentar una breve pieza “extra” cuando se piensa que el disco ha terminado. Finalmente, su portada ha sido imitada y parodiada en inumerables ocasiones por gente que va desde los Red Hot Chili Peppers hasta los Simpsons.

Con este trabajo, el cuarteto de Liverpool se negó a morir en medio del desastre, para resurgir y culminar su carrera en su punto álgido. Estas fuerzas de flaqueza resultaron increíblemente poderosas y demostraron que el amargo final de los Beatles llegaría a causa de los problemas internos, más no por una decadencia artística. Nunca hubo tal.

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Autocrítica: Cuando mi música favorita se vuelve estúpida.

mayo 11, 2009

(Antes de que lean el artículo me gustaría aclarar a los lectores que yo escucho y aprecio la música de algunos de los grupos y artistas a los que hago referencia en este artículo (como Judas Priest y Alice Cooper). Sin embargo me parece sano adoptar una actitud crítica y reconocer las tonterías que existen en torno a ellos).

El surgimiento de la música de Rock representó un fenomeno social y artístico sin precedentes. Sin embargo, desde sus primeros años, el establishment se dió cuenta de que esta propuesta también podía representar un gran negocio. De modo que el fenómeno Rock and Roll carga con la ambivalencia -si no contradicción- de ser punta de lanza de dos direcciones muy diferentes: Por un lado la protesta y la contracultura. Por el otro, la mercadotecnia y el negocio. El Rock es ambas cosas, nos guste o no.

Y es que esta gran paradoja se manifiesta con más fuerza en el Rock pesado y supuestamente contestatario. Mientras la propuesta sea más potente y extremosa, los conceptos de identificación con el público, tienden al absurdo y a la contradicción. Veamos algunos casos:

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Autodestrucción: la sal de la vida:

¿Mi protesta o mi urgencia de comunicación se volverá más efectiva si hago daño o simulo hacerle daño a mi cuerpo y a mi estabilidad emocional? ¿O si clamo ser un suicida?

Se vió muy impactante cuando Syd Vicious (Del grupo Punk The sex Pistols) escribió en su pecho con una navaja la frase “Dame un toque”. Resulta que el personaje en cuestión murió apenas un par de años después por su adicción a las drogas, pero su imagen se sigue utilizando para vender playeras, discos, pins, accesorios, piercing, y muchos otras articulos.

He visto en muchos lados una playera con la imagen de Kurt Cobain y acompañada con la frase “Me odio a mi mismo y me quiero morir”. Es díficil evitar la tentación de sugerirle al portador las mil formas de cometer suicido que existen o en su defecto, que invente una nueva y se preste para probar que tanta efectividad tiene.

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Temas líricos sensacionalistas:

¿Es Gay todo el rock que no hable de asesinatos, brujerías, guerra, pestes, sadomasoquismo, sexismo, y crimen? Quienes proclaman esta idea estarían asumiendo que los gays están exentos de cometer asesinatos, brujerias, participar en guerras, contraer SIDA, ser sadomasoquistas, discriminar a las mujeres y cometer crímenes… ¡Por cierto Rob Halford es Gay!

Pareciera que existe una gran inseguridad psicólogica en un sector de los rockeros. Un gran temor de que se les tache de “blandos” o “modositos”. Por esa razón, existe una gran oferta de grupos musicales cuyas líricas hablan de crímenes y atrocidades de manera explícita. Este concepto se refuerza con la presentacion del producto en portadas y playeras con imagenes grotescas que buscan la provocación y la indignación de todo aquel que caiga en el trampa. En fin, lo que un hombre “blando” o “sumiso” no podría tolerar.

Desafortunadamente, con este tipo de letras y actitudes se refuerza la idea de que la única manera de lograr respeto en la sociedad es por medio de la imposición del miedo. ¿Se les ocurre algo mas fascista?

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Ateísmo mal entendido:

Lo unico que se me hace chido del cristianismo es cuando los penitentes se flagelan hasta sangrar, cargan troncos espinosos y se encadenan los pies. Si no fuera por eso me cambiaría de religion (…)

Me parece absurda la manera en que ciertos grupos de Rock, -principalmente metal- suponen combatir al cristianismo y las religiones, limitándose únicamente a la exaltación de su némesis: La maldad o el demonio.

Si estuvieramos de acuerdo en que el concepto de Dios es intangible y su existencia es incapaz de demostrarse cientificamente. ¿Porque vamos a promover otro concepto igualmente abstracto e impreciso que procede de la misma fuente teológica? La atención puesta en un ente demoniaco, solo resulta otro motivo más de impacto para generar la venta de sus productos por medio de la explotación del tabú y la psicología invertida ya que muchas veces buscamos lo que se nos prohibe o lo que se estigmatiza.

Resultaría mas congruente abordar el aspecto social y verosímil, asumiendo la crítica al comportamiento humano dentro de las religiones organizadas. En lugar de eso se sustituye un culto por otro mucho peor, fanático e insensato. Desafortunadamente estos grandes ideologos de la mercadotecnia, saben que la mayoría de los jóvenes nos conformamos solamente con contradecir ,en lugar de hacer una critica inteligente y propositiva.

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Sexismo: El miedo del “mostro”.

En el Rock no existe el machismo: Hemos dejado que las mujeres canten, toquen instrumentos y sean líderes de sus grupos… Bueno, siempre y cuando no vengan con sus pendejadas de feminismo, equidad de género, sean lesbianas o insumisas, ni que se vistan como mi madre. Ah, y que de preferencia no hablen mucho, que no tengan ideas políticas, ni mayor coeficiente intelectual. Fuera de eso, no existe el machismo. Neta.

La otra gran inseguridad que se ve satisfecha gracias a la mercadotecnia del Rock, especialmente del metal, es el típico miedo masculino y cavernario de “no ser lo suficientemente hombre”. De modo que muchos productos rockeros recurren a la exaltación de lo masculino, los simbolos fálicos, la fuerza bruta y el poder.

Dentro de este marco de mercadotecnia, la peor desgracia sería la impotencia sexual y la sumisión a lo que consideran un ser inferior llamado mujer. Los casos más grotescos recurren al sexismo, con actitudes de desprecio y de agresión sexual, pretendiendo que es divertido.

Como ya se ha dicho hasta el cansancio -siendo el rock una manifestación más del machismo imperante en el planeta- en el fondo de todo esto se encuentra un enorme miedo, a la empoderación de la mujer y a la disfunción eréctil.

Luego porque se venden tanto esos miserables placebos que prometen “una noche de placer”.

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La Muerte se pasa de viva.

¿Ya viste en internet el anuncio de “El test de la muerte” con la calaverita, la guadaña y la risita mamona? Pues es una campaña de publicidad de Telcel, cuyo dueño es ¡El hombre más rico del mundo!

¿Quieres un tema de mercadotecnia que venda mas que el sexo? Ahi tienes a la muerte. Tan socorrida por marcas de ron, automóviles de lujo y… grupos de Rock.

Prueba de lo poderoso que es el concepto mercadológico de la muerte, es que se suele idealizar y casi santificar, a los rockeros que ya fallecieron, especialmente si su deceso se dió en situaciones muy penosas como la drogadicción, el suicidio o el asesinato. Jim Morrison, John Lennon, Ian Curtis o Dimebag Darrell, son iconos con un poder de venta mucho mayor, ya que los lamentos, las añoranzas y especulaciones sobre su muerte, hacen crecer la leyenda. Esto dificulta la evaluación correcta de su obra, desplazando la crítica e inmunizando al héroe. ¡Perfecto para venderse!

En cambio se habla menos de los rockeros veteranos que han pasado toda una vida de trabajo, luchando por mantenerse vigentes y lográndolo. Lástima, todavía no se han muerto.

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Las drogas como factor cosmético:

Se metieron a las drogas quesque para imitar a esos cantantes de rock que se ven “muy acá”, fumándose un porro. ¡chale!

Las historias de droga van de la mano con las de muchos músicos rockeros. Muchas veces por causa de una triste adicción que lastimosamente pudieron adquirir en su vida, y otras veces porque resultaría “buena publicidad” mostrar al rockero como un ser “transgresor” que se atreve a consumir droga, contradiciendo a la sociedad y a las buenas costumbres, muy a pesar del daño que pudiera provocarse.

El rockero que -se presume- consume droga, genera asombro en los más jóvenes por su atrevimiento y su inconsciencia (dos características de la juventud más temprana). Su supuesta relación con los estupefacientes pondrían al producto atribuciones que lo equiparan, desde un semi-divino poosedor de la juventud eterna, hasta una especie de mártir que no es feliz muy a pesar de su fama y dinero.

Considero que un adicto difícilmente será capaz de hacer su trabajo con brillantez. Un feroz consumidor de drogas no podría grabar diez discos clásicos, hacer giras triunfadoras cada tres años, componer más de un puñado de canciones memorables, o conservar una técnica instrumental envidiable durante toda su vida. Si tu ídolo rockero cumple con alguno de estos requisitos, es muy probable que no consuma estupefacientes.

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Conclusión:

El rockero o el aficionado rockero puede llegar a sentirse todo un rebelde, un irreverente contestatario o un gran hereje. Pero si profundizamos en el verdadero mundo del rock, nos encontraremos con que muchas bandas generan productos de manera artificial, simplemente para satisfacer a ese sector del mercado: el que se quiere sentir, rebelde, contestatario y hereje.

A todos nos gustaría idealizar estas propuestas y pretender que se trata de un movimiento anarquista, que liberaría al joven o al menos lo confrontaría con los poderes establecidos. Desgraciadamente no es así. Estos conceptos son pura y vil mercadotecnia, que certera se basa en la explotación de nuestros instintos primitivos, nuestros temores, tabúes y carencias afectivas. Lo mismo que cualquier otra publicidad efectiva.

Mi consejo es apreciar la musica de Rock como una forma musical y no como un vehículo para adoptar una pose. Habría que desestimar a los grupos circenses, sensacionalistas y tremendistas que estuvieran más interesados en “apantallar” que en crear música.

Hermanos rockeros ¡Bienvenidos al sistema!

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Aquí no es así: Reflexiones sobre el Rock Mexicano.

marzo 7, 2009

Quienes han escogido interpretar música de Rock en México, tienen detrás de sí una gran historia de encuentros y desencuentros con la sociedad en la que estan inmersos. No es comparable la situación de un país plenamente desarrollado -como en el caso de los paises Europeos occidentales o los Estados Unidos- con el nuestro. Incluso, hay diferencias con otros paises latinoamericanos como Argentina, que vivió su propia problemática y su propio ritmo de desarrollo Rockero. El Rock en México es un fenómeno particular que tiene que ver con el pueblo, la censura, la represión, el sectarismo y sobretodo, por una larga lucha por ganar espacios de difusión.

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Mientras en muchos otros paises, el Rock and roll es una realidad plenamente asimilada por la sociedad, en Mexico esto es una condición mas o menos reciente. La generación actual podría ser la primera en gozar de los beneficios de expresarse libremente en la música de Rock.
El Rock Nacional con sus aciertos y flaquezas es un tema extenso de reflexión, del cual quisiera mencionar algunas observaciones personales:

El rock Mexicano mutó de clase social e idioma, refugiándose en sectores, no en una universalidad.

En sus inicios el Rock and roll era una piedra preciosa de las clases medias y altas. Por su condición de “novedad” llamaba la atención de sectores ilustrados y pudientes, siendo aquellos que tenían posibilidad de ir a los Estados Unidos los que introdujeron los primeros discos de artistas internacionales. Estas grabaciones pasaban de mano en mano entre los jovenes “informados”, mientras la clase trabajadora veía en el Rock una influencia “extranjerizante” y rebelde que no merecia la pena tomarse en cuenta.

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Con el paso de los años, la juventud descubrió la esencia y las raíces de esta música, tomando una posición radicalmente opuesta: Para ser un verdadero rockero, se necesitaba proceder de los estratos bajos de la sociedad y haber sentido en carne propia la desazón de los problemas sociales de un pais pobre y de libertades acotadas. El Rock entonces fue un baluarte de la juventud con el que se podia auto-infringir un legítimo “baño de pueblo”.

En los dos casos, se trata de posiciones encontradas que sólo fomentan la inútil formación de sectores, luchando por demostrar cual Rock and roll es más “auténtico”.

Con la misma facilidad, el Rock mexicano mutó de idioma. Mientras en los sesenta se cantaron versiones “castellanizadas” de las clásicas del rock anglosajón, a finales de la década la mayoría de los grupos cantaban en Ingles, en gran parte motivados por el gran éxito de Carlos Santana en la unión americana. No tardaron demasiado en entender que la única manera de lograr el sentimiento de pertenencia con el público, era interpretar piezas originales en español.

La represión fue el mayor obstáculo porque generó otro tipo de represión: la auto-impuesta por el mismo Rockero.

En los años sesenta, el Rock se percibía como una música contraria a las buenas costumbres. A pesar de ello, gozaba de cierta difusión en los medios: Los adultos podían desaprobar estas manifestaciones, pero las toleraban en la pantalla de televisión o en la radio.

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Después del festival de Avándaro, se le catalogó como algo peligroso que no debiera ser promovido. Esta música podía convirtirse en un medio de expresión que podía denunciar la inconformidad juvenil e incomodar a las élites gubernamentales -Señaladas como responsables de las vidas perdidas en Tlatelolco-. En consecuencia se le reprimió y se le confinó a lo subterráneo.

Lamentablemente, los rockeros que surgieron en esta etapa de prohibición, poco hicieron por sacar su música del “hoyo fonqui”, dando la impresión de ser felices en ese estado de confinamiento. Dada la situación, era “indigno” salir y gozar de los beneficios de un buen contrato, un buen disco o un buen programa. Hubo muy pocas oportunidades, pero cuando las hubo, no se aprovecharon.

Las grabaciones no eran el fin último, sino un trámite o requisito para continuar gozando del verdadero estado natural del Rock: “La tocada en vivo”.

Dentro de este ambiente tan limitado, grabar un disco era como un “sueño guajiro” o peor aún, algo que solo un impostor haría. Parecía suficiente hacer llegar la música al escaso público por medio de las audiciones clandestinas, en las que tendrían suerte de no ser abucheados. Cuando finalmente las bandas se convencian de la necesidad de trascender e inmortalizar su música, encontraron espacios muy breves en modestos estudios de grabación. Categóricamente puedo afirmar que el Rock mexicano de los setentas se encuentra muy pobremente documentado en discos. Grandes bandas y extraordinarias canciones, pero muy pocos discos.

Fueron los grupos extranjeros quienes encontraron las puertas abiertas y solo así despertaron a los productores nacionales de su letargo.

A mediados de los años ochenta, se empezó a permitir la presencia de conciertos masivos de grupos del exterior. El Rock dejó de ser un fenómeno clandestino para reaparecer en los teatros, estadios e incluso, regresar a la televisión. Los promotores recordaron que esta musica era originalmente un negocio con gran potencial y encontraron el gran hueco de mercado que existía en México desde los años sesenta: No había suficientes grabaciones de Rock en español. En consecuencia, se buscó introducir al público mexicano bandas españolas y argentinas.

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Inesperadamente, los productores y promotores abrieron por fin los ojos a la producción nacional, que tranquilamente podía competir con la extranjera. Por fin los músicos encontraron la oportunidad que esperaban para “traicionar” al hoyo fonqui y salir a la superficie. Pero para ello, tenían que ser profesionales y atender aspectos que antes no importaban, como saber trabajar en el estudio de grabacion, lidiar con la prensa y entender su responsabilidad como artistas y como personas públicas. No todos se sintieron agusto con este nuevo profesionalismo del Rock y se auto-marginaron, manteniéndose “intachables” en un falso puritanismo rockero, anti-estrellato.

Una buena parte de los rockeros mexicanos sienten como una obligación presentar en su música influencias folclóricas o representativas o de la idiosincracia nacional.

Tin Tan, María Sabina o José José, tendrían mucho que ver con el Rock, en la mente de muchos rockeros. Y es que para ellos, la música de Rock tendría que representar lo que llevamos como pueblo, aún en la cultura popular y el inconsciente colectivo. Esto facilita la asimilación popular de una propuesta “extraña” a nuestras costumbres, llegando en ocasiones a resultados espectaculares, mientras que en otras se puede conformar simplemente con el “cover” de la canción folclórica o populachera.

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En nuesta idiosincracia se siente una patológica desconfianza por lo extranjero y hasta en el Rock sentimos la obligación de teñir de tricolor nuestros acordes y ritmos. Quizás existe una especie de miedo a no ser “lo suficientemente mexicanos” (…) Finalmente, el Rock tiene más de cincuenta años de existencia y mundialmente ha asimilado todo tipo de influencias. Realmente no es tan necesario sonar a lo que ya eres de facto.

Es posible que esta supuesta mexicanidad, sea más bien un arma de mercadotecnia que permita una más rápida asimilación a la música de Rock por parte de las masas desentendidas. Cuando se hacen discos de tributo a artistas ajenos al estilo musical, o se graba “Contrabando y traición” a ritmo de Rock, es muy fácil que la propuesta se confunda con el ardid, y se juzgue como recurso barato.

El Rock nacional dista mucho de verse como un movimiento compacto. Existen sectores muy marcados y los mismos aficionados promueven la división, señalando cuales son las bandas de “verdadero” Rock y quienes son “impostores” o “vendidos”.

Esto es un aspecto lamentable, que tiene su origen en cuestiones mucho más profundas de nuestra sociedad, que por inercia se ven reflejadas en la música de Rock. El “personal” aficionado al Rock se siente con la suficiente autoridad para designar a las bandas “legítimas”, separándolas de quienes creen que no lo son. Desafortunadamente carecen del sentimiento de unidad e ignoran que el apoyo generalizado, o al menos la ausencia de denuesto a las otras bandas nacionales, nos llevaría a ser más fuertes de cara a los estilos de música que dominan en los medios, o a los movimientos extranjeros.

Por último, el Rock Mexicano se integró a un movimiento latino que se vende en bloque, convirtiéndose en una fuerza menos romántica y más efectiva en su poder de arraigo y difusión.

Sin embargo, se continúa cuestionando la calidad artística. Es difícil precisar si los grupos que existen en la actualidad, estarían aprovechando los tiempos de apertura para plasmar un Rock mexicano de mayores alcances. Además de lograr la fama y ventas aceptables de sus grabaciones, los músicos estarían obligados a demostrar que pueden trascender artísticamente mas allá de lo que lograron los grupos de Avándaro o los del “Rock en tu idioma”, porque viven en un mundo más tolerante y con mayores facilidades para expresarse y promocionarse.

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En la escena actual encontramos aspectos muy positivos, como un mayor arraigo y el creciente fenómeno de hermandad latina, que brinda la apariencia de que se compite de manera leal y propositiva con las contrapartes argentinas, chilenas y colombianas.

De tal manera que, la mayor virtud del Rock Mexicano actual, es la de haber superado el miedo al triunfo y a la competencia, además de la comprensión de lo que realmente significa estar en el negocio del Rock. Este avance tendría que verse reflejado en la calidad de las composiciones y arreglos. Ese es el reto que queda pendiente para los próximos años. Que viva el Rock Mexicano.

Guillermo Mantra.

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Fallece el gran músico michoacano Jorge Reyes.

febrero 10, 2009

El pasado sabado 7 de febrero, se difundió la triste noticia del fallecimiento de Jorge Reyes, uno de los músicos que con mayor acierto interpretó la música prehispánica. La causa del fallecimiento fue una falla cardiaca.

Esta pérdida representa un gran luto para la música mexicana, pues Reyes fue reconocido nacional e internacionalmente por su investigación histórica y musical, obteniendo distinciones y críticas favorables alrededor del mundo.

Quedan sus grabaciones como testimonio del genio musical de este hombre, quién por cierto, ofreció un concierto en nuestra pequeña ciudad el pasado mes de abril. Esa fue la última vez que los salvaterrenses pudimos verle.

Descanse en paz.

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Los grandes grupos de la historia del Rock: The Byrds.

enero 5, 2009

A The Byrds se les adjudicó ser la respuesta norteamericana a los Beatles, además de constituirse en una banda clave para el Rock de los años sesenta. Su fusión musical americana, incide directamente en la creación de estilos como el Folk-Rock, Acid-Rock y Country-Rock. Más que en un grupo pasivo y conformista, se mostraron como en una entidad artística evolutiva.

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El líder indiscutible fue el cantante y guitarrista Roger McGuinn, fan de Bob Dylan y quien perfeccionó ese distintivo sonido de guitarra eléctrica de 12 cuerdas que ya habían trabajado los Beatles. Igualmente participó en esta banda, gente de gran nivel musical como David Crosby, Chris Hillman, Clarence White y el mítico Gram Parsons.

Desde su formación en 1964, rescataban motivos tradicionales fusionándolos con el Rock. Su estilo fue conocido como Folk Rock, siendo muy populares sus versiones a piezas de Dylan como “Mr. Tambourine Man” y “My Back Pages”.

Sin embargo, The Byrds fueron de los primeros músicos en interesarse por los sonidos psicodelicos, editando desde principios de 1966 piezas como “Eight Miles High” y “3D” (Que fueron vetadas en la radio).

Un par de años despues, el grupo continúa su evolución. En esta tercera etapa, se asocian con la leyenda del Country Gram Parsons (Quien murió intoxicado en el desierto de Joshua Tree, California) y con él The Byrds se consumaron como los auténticos creadores del estilo Country Rock.

Parsons tuvo una estancia muy breve con el grupo pero dejó la inquietud sembrada. Después, con la llegada de un extraordinario guitarrista llamado Clarence White (Quien coincidentemente murió el mismo año que Parsons, atropellado por un ebrio), el grupo terminó su legado dejando piezas inolvidables como “Chestnut Mare” y “Ballad Of Easy Rider”.

Grabaciones recomendadas:
Folk Rock: Mr Tambourine Man (1965)
Acid Rock: The Notorious Byrd Brothers (1967)
Country Rock: Untitled (1970)

Biografía escrita por Mantra

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Los grandes grupos de la historia del Rock III: The Kinks.

diciembre 1, 2008

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The Kinks fue el grupo de los hermanos Ray y Dave Davies. El primero, cantante y compositor del grupo; el segundo, guitarra solista. Se les considera uno de los grandes grupos de la llamada “Invasión Británica”, pero también, una de las bandas que por medio de sus canciones, retrató mejor a la sociedad de su país.

El grupo inició en 1965 como cuarteto, tocando el potente Rhythm and blues y siguiendo los pasos de The Who (con quienes se les compara continuamente). Poco a poco el grupo fue inclinándose por piezas que satirizaban a las costumbres de la conservadora sociedad inglesa e incorporaron elementos de musica tradicional.

A finales de la década de los sesentas The Kinks estaban metidos de lleno en los álbumes conceptuales y las Operas-Rock, forma musical de las que resultaron maestros. Su trabajo estaba repleto de sátira, nostalgia y crítica social. Destacan discos como “Arthur” (1969).

Con la llegada de los años setenta, el grupo profundizó en sus ideas líricas, criticando a la farándula con el disco “Everybody’s in showbiz” (1971) y al sistema educativo inglés con el divertido y estupendo “Schoolboys in disgrace” (1976).

Con el surgimiento del Punk Rock y la “nueva ola”, The Kinks fueron uno de los pocos grupos surgidos en los años sesenta, que lograron mantenerse vigentes y adaptarse a los nuevos tiempos. Lograron el éxito hasta el año de 1985.

Quedará para siempre el gran ingenio de las canciones de Ray Davies como compositor de Rockeras inolvidables como “You really got me” “All day and all of the night” y sátiras que marcaron a la sociedad, como “Victoria” y “Celulloid heroes”. Grupos más recientes como Blur y Franz Ferdinand le deben mucho a The Kinks.

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Los álbumes y grupos de mi vida. (Entrevista, tercera parte).

noviembre 14, 2008

¿Como te iniciaste en la música?

Cuando niño, mi padre me llevó a la única tienda de discos que había en el pueblo. para comprarme un regalo de cumpleaños. Por alguna razón, en lugar de escoger musica infantil le pedí que me comprara un disco de The Beatles. Era una vieja edición del álbum doble “The Beatles Rock ‘n’ Roll Music” en la cual se selecciona el material más rocanrolero y Rhythm and blues del cuarteto: Desde Twist and shout hasta Get Back. Fue mi primer disco L.P. de vinil, a la edad de siete años.

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A partir de ahí fui atesorando con mucho esfuerzo los otros discos de The Beatles. Su música fue mi primer influencia y la base de mi gusto musical. Hay Piezas musicales que me han marcado de por vida y que nunca olvidaré. En esas épocas atravesabamos por una dura crisis familiar y privaciones económicas. La música hizo que todo ese periódo fuera más llevadero.

Con mis hermanos, pretendíamos ser los los cuatro de Liverpool haciendo mímica con unas raquetas de tenis, mientras escuchabamos los discos. A falta de tambores, había cubetas y así obteníamos una banda. Nuestro Play-back se complementaba con rolas de Queen y de Kiss.

Pero en la adolescencia todo cambia…

Así es, aunque nunca dejé de ser un Beatle sí hubo un cambio significativo: Cuando estaba en primero de secundaria compré mi primer álbum de Judas Priest y con él incursioné en el Heavy Metal. Se trataba del “Defenders of the Faith” (Buen disco) que rápidamente fue seguido por el “Pyromanía” de Def Leppard y el “Powerslave” de Iron Maiden. Con el metal adopté la falsa imagen de “tipo duro” con la que se puede sobrevivir con mayor decoro la penosa edad de la secundaria. Pienso que este tipo de música es ideal para escuchar cuando se es adolescente, pues la pose, la energía, y la irreverencia son típicas de la edad. Me fui empapando de las bandas del momento: Ozzy, Van Halen, Dokken, Queensryche, Helloween, etc.

Pero difícilmente puedes considerarte un metalero…

Tuve la fortuna de ingresar a una escuela de diseño, en la ciudad de León Gto. Ahí conocí a gente que se movía en el campo de las artes. Gracias a varios amigos como los hermanos Manuel y Juan Carlos Hurtado, hice el gran descubrimiento del Rock llamado “Progresivo”, con grupos como Pink Floyd, Genesis, Yes, Camel, King Crimson (Marillion y Rush ya eran mis favoritos desde la preparatoria). Un gran universo se mostró ante mis oídos. Aunque difícilmente podía tocar alguna pieza de ese tipo, fue vital el haber encontrado una paraíso de nuevos sonidos, ritmos y posibilidades musicales.

Mucha gente considera el Rock progresivo aburrido o complejo…

Y así seguirá. Los que escuchamos progresivo somos una minoría lo suficientemente paciente para desenredar esa gran madeja de sonidos. Al enterarme de que existía el internet, investigue sobre grupos actuales quedando muy complacido con la musica de grupos como Arena, Pendragon, The Flower Kings, Porcupine Tree, Spock’s Beard etc.

En esa etapa eras un fanático, hacias websites, fanzines y programas de radio de Rock Progresivo.

Puede ser. Fue la etapa de “El Cordero Sinfónico”, un proyecto que comprendía un programa en Radio tecnológico de Celaya y una fanzine que se distribuía por correo a cualquier parte del mundo y una website. Yo mismo diseñaba la revista y escribía los articulos con varias personas: En Celaya, mis buenos amigos Enrique Gomez y Pascale Monier. En Aguascalientes, Luis Fernando Tirado (Indudablemente, la persona que más sabe del tema); en el D.F. Mario Rivapalacio (Un tipo muy positivo con quién coincidía en opiniones) y el inquieto Carlos Malvido (Personaje que apoyó como nadie al progresivo organizando conciertos, distribuyendo discos, creando espacios y hasta historietas). También tengo que mencionar al célebre fotografo Juan Joy quién nos permitió usar material gráfico original. Fue un proyecto que recuerdo con mucho agrado.

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El cordero sinfonico pasó a ser “compendio Rock”.

Un buen día decidí que era suficiente y después de cinco años de trabajo se acabó el Cordero. Aún no sé explicar porque me detuve, posiblmente saturación. Entonces retomé mis raíces y me convertí en historiador del Rock. El resultado de mis investigaciones lo expuse en el nuevo programa de radio que se llamó “Compendio Rock”. Así redescubri a mis grupos favoritos de la historia como Deep Purple, Led Zeppelin, Whitesnake, y grupos no tan típicos como Grateful Dead, Dire Straits, The Smiths o The Kinks que también han sido muy importantes para mí.

Menciona a un guitarrista que realmente te inspire.

Son muchos, de momento se me ocurre Ritchie Blackmore por su trabajo en el estudio con Deep Purple y Rainbow. Es grandioso el tipo cuando combina solos agresivos de Rock Pesado con arpegios de música clasica. Otro guitarrista es Steve Hackett (De Genesis y como artista en solitario). Completisimo tanto en el Rock como en la guitarra clásica. Por supuesto Edward Van Halen, David Gilmour… No puedo dejar de mencionar a Nick Barrett de Pendragon, uno de esos guitarristas que tocan realmente con el corazón más que con los dedos.

¿Podrias enumerar tus discos favoritos?

Es muy difícil, porque a diferencia de la mayoría, no me encasillé en ningún estilo ni grupo. Pero trataré de mancionar al menos uno por grupo o artista. (Una lista exhaustiva solo para quienes tengan la curiosidad).

Rock Clásico:

The Beatles: Abbey Road
The Who: Quadrophenia
The Byrds: The Notorious Bird Brothers.
The Kinks: Schoolboys In Disgrace
Jimi Hendrix: Axis, Bold As Love
Janis Joplin: Kozmic Blues
The Doors: The Doors
Eric Clapton (Como Derek & The Dominos): Layla
The Moody Blues: In Search Of The Lost Chord.
The Rolling Stones: Their satanic Majestic Request.
Queen: A Night At The Opera.

Hard Rock, Heavy Metal:

Led Zeppelin: Houses Of The Holy
Deep Purple: Machine Head
Rainbow: Rising
Whitesnake: Whitesnake
Scorpions: Love At First Sting
Judas Priest: Defenders Of The Faith
Iron Maiden: Somewhere In Time
Def Leppard: Pyromanía
Queensryche: Empire
Ozzy Osboune: Blizzard Of Ozz.
Helloween: Keeper Of The Seven Keys.
Dokken: Back For the Attack
Van Halen: Van Halen
Yngwie J. Malmsteen: Rising Force.

Rock Progresivo:

Pink Floyd: The Dark Side Of The Moon.
Yes: Fragile.
Genesis: Selling England By The Pound.
Emerson Lake and Palmer: Tarkus.
King Crimson: Red
Camel: The Snow Goose.
Van der Graaf Generator: Still Life.
Nektar: Remember The Future
Renaissance: Scheherezade & Other Stories.
Roxy Music: Avalon
Rush: Grace Under Pressure.
Marillion: Misplaced Childhood.

A.O.R. o FM Rock:

Toto: Toto
Journey: Escape
Foreigner: Foreigner
Eagles: Hotel california
Manfred Mann’s Earth Band: The Roaring Silence
Styx: Paradise Theatre
Bruce Springsteen: Born To Run
Heart: Heart.
Dire Straits: Love Over Gold.
The Police: Synchronicity.

Rock Alternativo o de Vanguardia:

David Bowie: Ziggy Stardust.
Television: Marquee Moon
U2: The Unforgettable Fire
The Cure: Disintegration.
The Smiths: The Queen Is Dead.
R.E.M.: Automatic For The People.
Radiohead: Kid A.
Red Hot Chili Peppers: Blood, Sugar, Sex, Magic.

Progresivo Actual:

Arena: The Visitor
Pendragon: Pure
IQ: Dark Matter
Neal Morse: One
The Flower Kings: Stardust We Are
Porcupine tree: Deadwing
Magenta: Seven
Spock’s Beard: V
Dream Theater: Metropolis.